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[M. Capozzi] Era il 1992 quando un quasi sconosciuto Alessandro Baricco scriveva di critica musicale. L’anima di Hegel e le mucche del Wisconsin raccoglie quattro saggi d’argomento musicale (per l’appunto) che polemizzano in diverso modo la tendenza piuttosto diffusa, e comunque spesso vittima di inutili pregiudizi, a classificare la musica in generi di serie A e B. Un lavoro suggestivo, ma di non facile lettura. Siamo evidentemente lontani dal Baricco maturo che conosciamo e apprezziamo per la sua immediatezza e limpidezza di scrittura. Se il suo intento, senza dubbio lodevole, era di stimolare il lettore alla riflessione sui misteri della musica considerata 'colta', l’obiettivo resta raggiunto solo in parte. Colpa del linguaggio, difficile, farinoso, forse troppo ricco di riferimenti teorici e, di conseguenza, non per tutti. È una densità di scrittura che limita la comprensione di chi la musica l’ascolta, emotivamente, e senza supporti tecnico-teorici.
 
Quando è nata la musica cosiddetta colta? Davvero si rivolge a un pubblico di nicchia? Perché risulta legata (a nodo strettissimo) ai rigidi cliché della classificazione di genere?
 
Partendo dalla contrapposizione tra l’assunto hegeliano per cui missione santificatrice della musica è elevare l’anima al di sopra di se stessa, e uno studio dell’Università del Wisconsin che dimostra come la produzione del latte aumenti del 7,5% se le mucche ascoltano musica sinfonica, Baricco costruisce le sue argomentazioni passando dalla complessa spiritualità innovativa e anticommerciale di Beethoven, alla spettacolarità del cromatismo teatrale melodrammatico di Puccini, fino alle sinfonie di Mahler, caratterizzate da un linguaggio musicale che anticipa certi carismi dell’inquadratura cinematografica fissa e muta. Al centro Baricco ci lascia la trascendenza interpretativa di Mozart e la ricerca continua e serrata della diversificazione dal resto, rappresentata dalla musica atonale di Schönberg. La musica colta «deve tornare ad essere idea che diventa e non parola d’ordine che si svuota nel tempo» e, per questo motivo, ha il dovere di essere ben radicata nel tempo in cui sorge e si evolve.
 
L’opera d’arte non si fa, non si costruisce, né si concepisce, ma succede insieme agli accadimenti della storia e delle storie. Per questo, non può e non deve esistere una differenza netta tra colto e commerciale, tra sacro e profano: divisioni, queste, che irrigidiscono e, di conseguenza, contraddicono il significante della cultura, tout court. L’arte, per sua stessa natura, non si chiude, ma accoglie e raccoglie spunti. Continuamente. E continuamente si evolve, attraverso la gente. E, all’anima della gente, l’arte va restituita. Qui ed Ora.
Pubblicato in Libri

Un tuffo negli Anni Trenta con Bollani

Venerdì, 20 Aprile 2012 07:30

Venerdì 20 Aprile 2012, h.18.00La Feltrinelli di Piazza Piemonte, 2 a Milano accoglie Stefano Bollani e il nuovo progetto discografico che il noto pianista ha realizzato in collaborazione col Direttore d’Orchestra Riccardo Chailly. I due artisti, dopo Rapsody in Blue, portano sulle scene della musica, Sounds of the ‘30s, rileggendo in chiave personalissima composizioni classiche degli anni Trenta, a raccontare la Storia dei lunghi viaggi “per cercar fortuna” tra l’Europa e l’America, tra il vecchio e il nuovo mondo, in una commistione saggia che si muove tra il popolare e il colto: il tutto condito dall’irriverente esuberanza di Bollani, che ben si sposa con l’eleganza interpretativa di Chailly.

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